Play

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M. Velasco (2026). El lanzamiento de Play consolidó el regreso de Ed Sheeran a las producciones del "big pop", tras una etapa dedicada a sonidos más íntimos y acústicos (Gee, 2024; Mandarand, 2025). Este álbum de estudio es el punto de partida de una nueva serie conceptual basada en los símbolos de control de medios, que incluye entregas tituladas Pause, Fast Forward, Rewind y Stop, con un cierre póstumo planeado bajo el nombre de Eject (Irvin, 2025; Dunworth, 2025). Musicalmente, el disco se aventura en territorios inexplorados para el artista al incorporar elementos de la música tradicional persa e india (Petridis, 2025; Tidal, 2025). Canciones como "Azizam", inspirada en la tradición farsi, y "Sapphire", que fusiona el punjabi con el pop occidental, ejemplifican este eclecticismo cultural que busca expandir el alcance global del artista (Chilton, 2025; Zan, 2025). La producción, liderada por colaboradores como Johnny McDaid y Fred Again junto a nuevos aliados como Elvira Anderfjärd, logra una atmósfera descrita como vibrante, manteniendo la esencia emocional característica de Sheeran (Smith, 2025; Chilton, 2025).

En términos de impacto comercial y crítico, Play demuestra la vigencia del cantautor inglés a pesar de las opiniones divididas de la prensa especializada. Aunque algunos críticos valoran positivamente la solidez del material y su capacidad para atravesar fronteras, otros señalan una dependencia de fórmulas probadas, otorgándole una calificación de 60 sobre 100 en portales de agregación (Smith, 2025; Georgi, 2025; Metacritic, 2025). No obstante, el álbum fue galardonado como Álbum del Año en Los 40 Music Awards de 2025, subrayando su éxito en mercados internacionales (Los 40, 2025). En las listas de éxitos, Sheeran alcanzó su noveno número uno consecutivo en el Reino Unido y debutó con fuerza en mercados como Australia, Alemania y los Estados Unidos (Paine, 2025; Caulfield, 2025). El despliegue en vivo, sumado al lanzamiento de ediciones de lujo y remezclas con artistas indios como Arijit Singh y Karan Aujla, reafirma la estrategia de Sheeran de conectar su música con audiencias diversas de manera integral (India Today, 2025). Fuente de la imagen: mvc archivo propio.

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Bibliografía

Caulfield, K. (2025). Twenty One Pilots' 'Breach' Bows Atop Billboard 200 With Biggest Week for a Rock Album in Six Years. Billboard.

Chilton, L. (2025). Ed Sheeran: Play review – A musical buffet lacking a signature dish. The Independent.

Dunworth, L. (2025). Ed Sheeran confirms new single is coming "next month", reveals upcoming song titles. NME.

Gee, A. (2024). Ed Sheeran Reveals His Next Album Is Already Done — And It's 'Big Pop'. Rolling Stone.

Georgi, M. (2025). Ed Sheeran Plays On — But It's the Same Old Song. Rolling Stone.

India Today. (2025). Ed Sheeran's new EP Play includes songs with Karan Aujla, Hanumankind, Dhee, more.

Irvin, J. (2025). Ed Sheeran Shares Next 5 Album Titles After Completing Math Series and Says Quentin Tarantino Inspired His Vision. People.

Los 40. (2025). Los 40 Music Awards 2025.

Mandarand, C. (2025). Ed Sheeran Reveals 'Album Done,' Teases New Single. Rolling Stone.
Metacritic. (2025). Play by Ed Sheeran Reviews and Tracks.
Paine, A. (2025). Ed Sheeran lands ninth number one album as Play tops rankings in busy week for new releases. Music Week.
Petridis, A. (2025). Ed Sheeran: Play review – subcontinental sounds and shards of darkness – but still unmistakably him. The Guardian.
Smith, T. (2025). Ed Sheeran's 'Play': All 13 Songs Ranked. Billboard.
Tidal. (2025). Play (Deluxe) / Ed Sheeran / Credits. https://www.tidal.com
Zan, H. (2025). Ed Sheeran Rides an Auto in Telangana and Sings in Punjabi in New Song Teaser a "sapphire". Newsx.

Cuánto Cuesta

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M. Velasco (2025). Con la publicación de “Cuánto Cuesta”[1], la banda malagueña Lord Malvo ha ejecutado un viraje artístico tan sorprendente como necesario, consolidándose como una de las propuestas más lúcidas del panorama nacional. Si en su debut[2] predominaba la urgencia y la rabia de garaje, este nuevo trabajo[3] apuesta por una sofisticación sonora donde el funk, el disco de los años 70 y el pop soul toman el protagonismo absoluto. Grabado y mezclado por Raúl Pérez en los estudios La Mina de Granada y producido por Alejandro Fernández[4], el álbum respira una calidez analógica y un detalle artesanal que lo aleja de las distorsiones juveniles para abrazar bajos profundos, pianos eléctricos y arreglos cuidados. Esta madurez es fruto de un proceso de aprendizaje y de influencias bien digeridas que van desde clásicos del rock argentino como Charly García, Luis Alberto Spinetta o Calamaro, hasta el groove de bandas como Chic, Kool & The Gang o Parcels. Durante el proceso de grabación, incluso recibieron la visita de Noni[5], quien les dejó una frase que acabó grabada en el vinilo: algo así como "un disco no se termina, se olvida", reflejando la entrega total de la banda en la preproducción de esta obra ambiciosa y elegante. Temáticamente, el trabajo se aleja de la protesta incendiaria para ofrecer una crónica honesta y desgarradora sobre la adultez temprana y la precariedad sistémica. 

Bajo el clarificador título de “Cuánto Cuesta”, Lord Malvo —formado por Adrián Gámiz, Adrián Nonak, Mario Muñoz y Julio García— explora la frustración de una generación que asume, con una sonrisa resignada, que no ganará esa liga de campeones que le prometieron y que debe sobrevivir a jornadas laborales alienantes y alquileres imposibles. Las letras funcionan como un manifiesto de resistencia pasiva; canciones como “Más Feliz y Menos Productivo” (con la colaboración de Vera Fauna) o “Mi Propio Jefe” reivindican el valor de no hacer nada y de priorizar la vida personal frente a la "mentalidad tiburón" y la productividad tóxica. El álbum transita por la melancolía bailable, tratando temas como los lazos de amistad que se diluyen por las obligaciones en “Perro Fiel”, o la soledad urbana en la clausura con “Begudas Fredas”, inspirada en la estancia de Mario en Cataluña. A pesar de su sonido pulcro y refinado, el mensaje mantiene una esencia puramente punk: la crítica social reside en la crudeza de un texto que retrata una derrota placentera frente al paso del tiempo. Concluyendo, es un disco para escuchar sin prisas, una reconciliación íntima con la realidad que demuestra que, aunque crecer cuesta, Lord Malvo ha encontrado en esa factura un sonido colosal y propio. Fuente de la imagen: mvc archivo propio.

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[1] Lunar Discos, 2025.

[2] Carrera de Obstáculos.

[3] Lanzado el pasado 6 de noviembre.

[4] Miembro de Vera Fauna.

[5] Lori Meyers.

Dua Lipa

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M. Velasco, 2025. La consolidación de Dua Lipa como figura central del pop contemporáneo fue el resultado de una construcción artística iniciada años antes de su debut homónimo en 2017. Tras regresar a Londres desde Kosovo a los 15 años con la firme intención de alcanzar una carrera a escala global, Lipa utilizó las redes sociales y el modelaje como plataformas para entrar en la industria, inspirada por el éxito temprano de figuras como Justin Bieber (Savage, 2017). Bajo la gestión de TAP Management y tras firmar con Warner Bros, la cantante se sumergió en un intenso periodo de desarrollo en el que coescribió prácticamente todos los temas del disco, buscando un sonido que ella misma definió como "dark pop" (Peoples, 2017). Esta identidad musical se caracteriza por la fusión de synth-pop, electropop y R&B, donde las letras no evitan la crudeza de las experiencias adolescentes ni las sombras de la vida nocturna, alejándose de los cánones del pop edulcorado (Yeung, 2017; Alonso, 2017). Su voz, de tesitura grave y potente, se convirtió en el hilo conductor de una producción que equilibraba ritmos bailables con una honestidad emocional comparable a la de artistas como Lana Del Rey (Pérez, 2017).

El impacto del álbum se cimentó en una narrativa de empoderamiento femenino y resiliencia ante el desamor, alcanzando su punto álgido con el fenómeno global de "New Rules". Este sencillo fue su primer número uno en el Reino Unido, estableciendo un estándar visual y temático para las divas del pop, acumulando visualizaciones gracias a su mensaje de sororidad e independencia (Garcinuño, 2025; deividtoxic, 2018). A lo largo del disco, Lipa explora la dualidad de las relaciones mediante metáforas y referencias bíblicas, como se observa en pistas como "Genesis" y "Garden", donde el amor se compara con el paraíso perdido o la redención divina (Gracia, 2017). La longevidad del proyecto se extendió con el lanzamiento de la Complete Edition, que integró colaboraciones masivas con Calvin Harris y Silk City, demostrando su versatilidad para dominar las listas de baile mientras mantenía la vulnerabilidad en baladas a piano como "Homesick" (Todomusica, 2017; Yeung, 2017). Con más de seis millones de copias vendidas y premios Grammy y Brit en su haber, este debut dejó de ser un éxito "durmiente" para convertirse en la obra que redefinió las reglas del juego en la industria musical moderna (Garcinuño, 2025).

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Bibliografía

Alonso, S. E. (2017). Dua Lipa / Dua Lipa. Jenesaispop.com. Recuperado de los archivos del sitio.

Deividtoxic. (2018). Crítica del álbum «Dua Lipa». Blog Mister Music. Publicado originalmente el 3 de enero de 2018.

Garcinuño, R. (2025). Ocho años de 'Dua Lipa': el disco que cambió las reglas del juego. CADENA 100. Publicado el 2 de junio de 2025.

Gracia, R. (2017). RESEÑA Dua Lipa - Dua Lipa. Hablando de música. Publicado el 24 de noviembre de 2017.

Peoples, L. (2017). Dua Lipa Is the Anti–Pop Star. The Cut. Publicado el 27 de abril de 2017.

Pérez, P. (2017). Dua Lipa | Dua Lipa (2017) | Review. Drowned World. Publicado el 15 de noviembre de 2017.

Savage, M. (2017). Dua Lipa: 'Chris Martin made me feel really calm'. BBC News. Publicado el 30 de mayo de 2017.

Todomusica.org. (2017). Álbum Dua Lipa (Dua Lipa) - Canciones, letras y crítica. Sección de lanzamientos musicales de 2017.

Yeung, N. Z. (2017). Dua Lipa – Dua Lipa. AllMusic. Guía de lanzamientos de estudio de 2017.

El lado de los rebeldes

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M. Velasco, 2025. El lanzamiento de "El lado de los rebeldes" en 2011, marcó un punto de inflexión para La Raíz, consolidando una transición estilística que dejó atrás sus primeras maquetas más enfocadas al reggae puro para abrazar un rock de fusión mucho más robusto (Sabicio, 2018). Producido por el alemán Uwe Hoffmann, este trabajo se presenta como un rompecabezas donde el rock actúa como la pieza central que cohesiona una amalgama de ritmos caribeños, latinos y urbanos (La Raíz, 2011). La propuesta musical es tan heterogénea que, por momentos, resulta desafiante, integrando con naturalidad desde el ska y el rap hasta matices de tango y son, enriquecidos por una sección de vientos muy presente y el característico juego coral de sus cuatro voces (Guerrero, 2011). Esta multiculturalidad sonora es fruto del bagaje diverso de sus once integrantes, quienes lograron facturar un disco vibrante y frenético, ideal para el formato de festival pero con una calidad de grabación que denota veteranía (Rivera, 2011). Piezas como la homónima "El lado de los rebeldes" o "La voz del pueblo" sintetizan la esencia del grupo: estribillos cargados de fuerza, síncopas adictivas y una energía que busca romper la pantalla para conectar con la realidad social (El Chayi, 2017; La Raíz, 2011).

En el plano lírico, el álbum se aleja de los eslóganes políticos machacones para adoptar una carga combativa desde una sensibilidad inaudita, atendiendo a injusticias globales con una perspectiva poética y humana (Sabicio, 2018). Esta profundidad se manifiesta en un recorrido por canciones que funcionan como callejones llenos de matices: desde la contundencia guitarrera de "Obediencia ciega" hasta la elegancia de "Se abrió la vela", donde colabora Sebastián Cebreiro de La Vela Puerca para tratar el tema de la migración (Rivera, 2011). Resulta particularmente notable la inclusión de cortes como "Tango’s Club", que aporta una distinción melancólica y sofisticada a través de scratches y ritmos rioplatenses, demostrando que la banda no teme explorar terrenos ajenos al rock convencional (Guerrero, 2011). Concluyendo, El lado de los rebeldes funcionó como la primera piedra de un fenómeno musical generacional, sintonizando con un público que buscaba letras con contenido envueltas en una fiesta rítmica inagotable (El Chayi, 2017). Con este trabajo, La Raíz afianzó su sonido y preparó el terreno para el éxito masivo que vendría con sus álbumes posteriores, demostrando que la diversidad de estilos puede convivir en perfecta armonía cuando existe un mensaje potente detrás (Sabicio, 2018).

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Bibliografía

El Chayi. (2017). La Raíz – El Lado De Los Rebeldes (2011). RockSesión.

Guerrero, M. G. (2011). La Raiz "El lado de los Rebeldes". Insonoro.

La Raíz. (2011). El Lado de los Rebeldes. Bandcamp Oficial.

Rivera, M. (2011). LA RAIZ – «El Lado de los Rebeldes». RockTotal.

Sabicio. (2018). Crítica retro 'El lado de los rebeldes' [La Raíz]. ROCKTÁMBULO.

Los toreros muertos

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La banda "Los toreros muertos", nacida en la movida madrileña, ha clausurado el 18º Congreso de la Abogacía de Málaga, que se ha celebrado durante los días dos y tres de noviembre en el Palacio de Ferias y Congresos de Málaga. 

Durante una hora, Pablo Carbonell y el resto de los miembros actuales, deleitaron a los asistentes con sus letras contraculturales y minimalistas, así como sus acordes a caballo entre rock y pop. Fuente de la imagen: mvc archivo propio.

Maná

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La música de este grupo no sabría decir si es rock o no. Tiendo a clasificarla más como pop que rock propiamente dicho, pero parece que los componentes insisten en que es rock. En el fondo, rock, pop… es lo de menos, lo importante es que transportaba a mi cabeza a estadios mentales de reflexión, impregnados de lloro, tristeza… pero también de ánimo y de esperanza, que, sin darme cuenta, me hacían fuerte para la toma de decisiones laborales que, realmente, poesía como "vivir sin aire", "clavado en un bar", "en el muelle de San Blas"... cambiaron mi vida profesional y, por derivación, personal. 

Pasado un tiempo, me enteré que la canción “En el muelle de San Blas”, estaba basada en un hecho real. En cuanto a sus orígenes, se lee en el sitio oficial que se remontan a un grupo musical llamado “Sombrero Verde”, decidiendo en 1986 formar un nuevo grupo de rock al que llamaron Maná (energía positiva en polinesio), fusionando nuevos sonidos de rock con ritmos latinos y caribeños. Parte de este texto también se ha editado en el sitio de Manuel bajo el título "No me digas que no o en el muelle de San Blas". Fuente de la información: sitio web del grupo. Fuente de la imagen: mvc archivo propio.

Grease

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Olivia Newton-John llegó bailando con su acompañante y cantando varias canciones, allá por la pre-adolescencia. La película fue en color y casi una sola, Grease, acompañándoles John Travolta, junto a que, al contrario que Marilyn, Olivia pululaba por este mundo. Me gustaron mucho las actuaciones de Olivia y de John. 

Todavía recuerdo los intentos por hacerme un peinado como el de Danny. Triste día. Me enteré por los medios de comunicación de que Oliva nos ha dejado. Arriba te dejo una instantánea de la casete, que estuve escuchando en su recuerdo imborrable. Parte de este texto también se ha editado en el sitio Manuel, bajo el título "En recuerdo de Olivia".

Ed Sheeran

Fuente de la imagen: elaboración propia

Lo que más me gusta de Ed Sheeran son sus interpretaciones en directo, generando la música sobre la marcha. Con un nivel de profesionalidad que me deja alucinado. Me recuerda la frase del dibujo animado: “Y ahora más”. Reconozco que la primera vez que lo escuché, me pareció un poco monótono, pero sus melodías glutinosas, raposas y alegres me han ayudado a estudiar, trabajar, jugar en la sobremesa con la familia y hasta hacer un poco de ejercicio.

Todavía sigo enganchado a canciones como Shape of You, Thinking Out Loud, Give Me Love, Perfect.… y el famoso The A Team y ¡cómo no olvidar el entrañable Photograph! Arriba te dejo un boceto que acabo de realizar. Transcribo los últimos versos de “Eraser”: “Bienvenido al nuevo show, supongo que sabes que he estado fuera. A dónde me dirijo, quién sabe. Mi goma de borrar. Y yo encontraré consuelo en mi goma de borrar el dolor...”  Parte de este texto también se ha editado en el Sitio de Manuel, bajo el título “Mi goma de borrar”. Fuente de la imagen: elaboración propia.

De Génesis a Phil Collins

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Me preguntó la familia sobre el grupo de rock progresivo británico Génesis, formado por Peter Gabriel, Tony Banks, Mike Rutherford, Phil Collins y Steve Hackett y que, tras el abandono de Peter y Steve, se centró en pop rock, etapa de más éxito comercial. Te dejo un vídeo, alojado en Youtube cortesía de Amalokch, con The Musical Box, uno de los trabajos más famosos, recogidos en el tercer álbum del grupo, Nursery Cryme, 1971 (En el encabezado te dejo una foto, elaboración propia, de la carátula del álbum “But Seriously”  - Pero en serio -, de Phil Collins).

Como ya has leído en el anterior párrafo, uno de los integrantes es Phil, ese chico delgaducho, con pelo largo (luego se lo rapa) y, a veces, barbudo, que sale en el vídeo The Musical Box. Tras el abandono de Gabriel, Collins se convirtió en el cantante de Génesis. Posteriormente trabajó por su cuenta (el grupo se extinguió en 1989) y es considerado uno de los artistas, junto a Paul McCartney y Michael Jackson, que mas millones de álbumes ha vendido. A continuación, inserto el vídeo alojado en Youtube cortesía de Tony Menard, donde Phil habla de ese álbum que desempolvé ayer y puse en el giradiscos: “But Seriously”.

Para terminar, inserto el video alojado en Youtube cortesía de gtrwerzz, con la actuación en Paris en 2004. Me encanta la primera intervención de batería, 00:00:00 Drums, Drums and More Drums. Si quieres acceder de manera individualizada al resto de canciones, las linkeo a continuación: 00:08:22 Something Happened on the Way to Haven 00:13:49 Against All Odds 00:17:50 Don't Lose My Number 00:24:25 You'll Be in My Heart 00:28:44 One More Night 00:34:07 Can't Stop Loving You 00:38:41 Hang in Long Enough 00:43:56 True Colours 00:49:26 Come With Me 00:54:33 Groovy Kind of Love 00:58:11 I Missed Again 01:02:34 Another Day in Paradise 01:08:21 No Way Out 01:12:58 Separate Lives 01:18:51 In the Air Tonight 01:26:32 Dance Into the Light 01:31:07 You Can't Hurry Love 01:34:07 Two Hearts 01:36:25 Wear My Hat 01:41:22 Easy Lover 01:46:21 Sussudio 01:55:55 It's Not Too Late 02:00:00 Take Me Home (Drums Intro) 02:01:22 Take Me Home.

Like a Prayer

En la tarde del viernes desempolvé el reflexivo y confesional cuarto álbum de estudio de Madonna publicado en 1989, Like a Prayer, que traducido con mi inglés de los Montes de Málaga es algo así “Como una plegaria". Según se lee en la inmensa biblioteca goblal virtual, la artista describió este trabajo como “una colección de canciones acerca de su madre, su padre y su unión con su familia”. De hecho, el álbum fue dedicado a su madre, quien murió en la infancia de la cantante. A continuación te dejo un video, aojado en Youtube cortesía de Warner Bros. Records, con la canción que da título al disco.

En cuanto a la transgresora y “reina del pop” Madonna, con relativa intensidad he escuchado su música desde mediados de la década de los ochenta del siglo pasado, confesándote que hay trabajos que me gustan más que otros. Algunas de sus polémicas representaciones tampoco son de mi agrado, pero también tengo que reconocer que es una artista como la copa de un pino. Para terminar, inserto el vídeo oficial de “La Isla Bonita”, también cortesía del canal Warner Bros. Records en Youtube (Fuente de la imagen: elaboración propia a partir de estuche de Like Prayer).

Shania Twain

Me preguntaba Gustavo “qué tal mi semana”. Le contesté con el símbolo de una manita con el pulgar para arriba, pero ahora que lo pienso más tranquilamente, te reconozco que ha sido otra semana bastante ajustada y densa, que empezó con desatinos profesionales y terminó con revuelta prueba pedagógica y, en medio, triste descubrimiento de vacíos y tierra de por medio en relaciones con personas que respeto y aprecio. Como dice Gustavo: "yo de lucha tengo una vida”. Pero no todo ha sido pesadez de agenda; reconfortan las sonrisas, acciones, miradas, caminar juntos, la gente que quiero… o estos momentos contándote mis tonterías, que me levantan el ánimo sobremanera (Fuente de la imagen: elaboración propia).

También, me ha acompañado (y sigue a estas horas del alba) la cantante canadiense Shania Twain (pronunciado “Sha-na-ia”, palabra ojibwa que significa "en mi camino"), música que conocí allá por el año 1993, cuando trabajaba de director de auditoría interna en Euromarket (ver “Ni seguratas ni chivatos ni detectives”) y su colección de canciones debut del mismo nombre “Shania Twain”. Sin embargo, mi predilecto es el que he estado escuchando estos días, Up! (¡Arriba!), cuya canción que da título al álbum te he dejado después del primer párrafo, cortesía de ShaniaTwainVEVO en Youtube. Y de ese trabajo el que ha machacado más mis oídos (y la sufrida familia) ha sido Ka-Ching! (en referencia al sonido de una caja registradora). Te dejo el vídeo a continuación, cortesía de ShaniaTwainVEVO. Si quieres ver y escuchar el concierto completo que dio en Chicago, clickea AQUÍ.

Deacon Blue

La lluviosa tarde del viernes la pasé escuchando a Deacon Blue, banda de rock pop escocesa formada en Glasgow en 1985, compuesta por los vocalistas Ricky Ross y Lorraine McIntosh, el teclista James Prime y el batería Dougie Vipond. Si bien lanzaron su primer álbum, Raintown, en 1987, los conocí en su segundo álbum, When the World Knows Your Name, publicado en 1989, que incluía su "Real Gone Kid". Te la inserto a continuación, alojada en Youtube cortesía de bluegutter (Fuente de la imagen: elaboración propia).

Según se lee en su site virtual, el 1 de mayo de 2017 marcará el 30 aniversario del álbum debut de Deacon Blue, Raintown. Para celebrarlo, Ricky, Lorraine, Jim y Dougie se sentarán con Ian Rankin para contar la historia de cómo se hizo el álbum. Te dejo link por si lo quieres apuntar en la agenda: Deacon Blue: 30 años de Raintown se emite en la BBC Radio Scotland, y en BBC Radio 2, a las 22:00, el lunes 8 de mayo. Te dejo un directo, subido a Youtube cortesía de 80's & 90's Music.

Talk That Talk

Fuente de la imagen: mvc archivo propio

Álbum de estudio de Rihanna, Talk That Talk (Habla claro)[1], catalogado por parte de la crítica[2] como un viaje audaz por la música urbana, marcando un nuevo capítulo en su carrera musical, al explorar sonidos más urbanos y experimentales[3], pero sin dejar de lado su característico estilo pop.

El trabajo fluctúa entre diferentes géneros musicales, desde el dancehall y el hip-hop hasta el pop comercial, demostrando la cantante por enésima vez su tremenda versatilidad vocal y su capacidad para adaptarse a distintos estilos. Fuente de la imagen: portada del álbum, mvc archivo propio.

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[1] El álbum cuenta con la participación de destacados artistas como Jay-Z, Kanye West y Drake, quienes aportan su talento y experiencia para crear canciones memorables. La colaboración con Jay-Z en el tema "Run This Town" fue especialmente aclamada por la crítica y los fans, convirtiéndose en uno de los puntos más destacados del disco.

[2] "Talk That Talk" ha sido un éxito comercial y de crítica, consolidando a Rihanna como una de las artistas más influyentes de su generación. El álbum logró múltiples certificaciones y se mantuvo en las listas de popularidad durante semanas. Además, el disco fue nominado a varios premios Grammy, reafirmando su importancia en la industria musical.

[3] Las letras de "Talk That Talk" reflejan la confianza y la seguridad en sí misma de Rihanna. La cantante aborda temas como el amor, el desamor y la independencia femenina, demostrando una vez más que es una artista que no tiene miedo de expresar sus emociones y opiniones.

Grandes Éxitos de Los Secretos

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El recopilatorio “Grandes Éxitos” del grupo los Secretos invita a recorrer un camino plagado de melodías inolvidables y letras que hablan de amor, desamor, nostalgia y la vida cotidiana. Temas como "Déjame", "Sobre un vidrio mojado" y "No me imagino" se han convertido en himnos generacionales, traspasando fronteras.

A través de sus canciones, se pueden revivir momentos clave de la historia de la banda, desde sus inicios hasta la década de los noventa. Y es que la música de esta banda es tan cautivadora hoy como lo fue en su momento, demostrando que las buenas canciones trascienden modas y tendencias.